ウィーン美術史美術館には、昨年3月に訪れる機会があったが、その前にも東京で何回かその展覧会を見ているので、おなじみの美術館のような気がする。

　誘われて開催前日に観ることができた。プレスプレビューの最初は企画者の挨拶。国立新美術館の本橋弥生氏の展覧会の概要説明とウィーン美術史美術館館長のザイベル氏からの挨拶の後、副館長のシュッツ氏から細部にわたる説明があった。「静物画の定義」は、「動かないもの、生命を持っていないものを配置して描いた画」である。「静物画の特徴」としては、第一に「リアリティー」があげられる。写実を追及するため、だまし画のようなものや表面を描き分けたものも登場している。静物画の第二の特徴は、意味がこめられているということである。vanity　や　transiencyという概念を含んでいるということである。日本側監修者の木島俊介教授は、この展覧会は8年間の交渉の結果開催されたものであることと、わが国には静物画の文献が少ないので、今回の図録はその意味で貢献するだろうとの2点を紹介された。

　その後、シュッツ副館長のギャラリー・トークがあった。詳細はブログに書いた。選定された画は、アントニオ・デ・ベレダ《静物：虚栄（ヴァニタス）》、ヤン・ブリューゲル（父）《青い花瓶の花束》、ルーベンス《チモーネとイフェジェミア》、ディエゴ・ベラスケス≪薔薇色の衣裳のマルガリータ王女≫である。 その後の一般の特別内覧会に混じってゆっくりと見た。お気に入りは、バスケニス《静物：楽器、地球儀、天球儀》、デ･ヘーム《静物：朝食卓》、ヤンステーン《農民の婚礼（欺かれた花婿）、ダウの《花に水をやる窓辺の老婦人》と《医師》。

　とても地味だが、味わい深い展覧会である。当時の情景を再現すべく、室内を暗くしていることもこの展覧会を渋いものにしている。ゆっくり時間をとって、細部にわたるまで観察すれば、思わぬ発見がある。

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　1．アール・ヌーヴォーからアール・デコへ
　アルフォンス・ミュシャ《サラ･ベルナール》、ルネ・ラリック《翼のある風の精》（1898年）などアール・ヌーヴォー様式の作品が展示されていた。初代宮川香山の《色入菖蒲図花瓶》、橋口五葉の《浴場の女（ゆあみ）》・《温泉宿》・《夏装之娘》、杉浦非水の《絵はがき》など日本での展開も楽しめた。

　2．アール・デコの時代�T　アール・デコの精華
　1910年から30年代にかけて世界的に流行した装飾様式であるアール・デコの作品をエンジョイした。お気に入りは、カッサンドルの《北極星》、ポール・コランの《アンドレ･ルノー（ピアニスト）》などのポスター。ヨーロッパの近代工芸とデザイン　―アール・デコを中心に―　　さらにシャローの《書斎机、椅子》、ハーゲンアウワーの《装飾額付鏡》、ルネ・ラリックの《カーマスコット　ロンシャン》、ピュイフォルカの《ティーセット》。

　3．アール・デコの時代�U　日本への影響
　関東大震災からの復興期に、アール・デコは若い日本の芸術家たちに受容された。高村豊周の工芸、長谷川潔、織田一磨の都市風景などが記憶に残った。

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　この展覧会を観て、ルオーに対する見方が大分変わった。多分、今回は質の良い作品が非常に多数展示されていたからだと思う。

１．初期のグアッシュ･パステル・水彩画・油彩画（1897−1919）：　力強いが暗い作品が多い。《エクソドゥス》と《客寄せ》ぐらいしか観るべきものがない。

２．中期の油彩画（1920-1934）：　重厚なマチエールの下に、明るく輝くような色彩が出てくる。スクレーパーで削って描くようにしたためらしい。《水浴の女四人》、《女の顔》、《小さな女曲馬師》、《小さな家族》。いずれも愛すべき作品である。

３．銅板画集《ミセレーレ》と版画集：　《ユピあやじの再生》の彩色下絵とモノクロの版画が並べてあった。やはり肉筆画が圧倒的なのは、浮世絵の場合と同じ。銅版画集《ミセーレ（憐れみたまえ）》の場合は、写真を撮って版画を作るというヴォラールの指示に従って量産したものだそうだが、結構の迫力である。《ミセレーレ》に基づく油彩が何枚か出ていたが、こちらもとても良い。版画好きはこのセクションは見逃せないだろう。

４．連作油彩画《受難》と色刷版画集：　ここは素晴らしい。これだけ沢山の油彩画が連作として並んでいるのを見たことがない。キャプションの説明が良くまとまっていて、十分に理解できる。《受難１》に見られるようにとても丁寧である。連作内のこの他のお気に入りは、63/55/23/30/62などである。《受難》の色刷版画も出ていたが、残念ながらこれには油彩の色が再現されていない。

５．後期の油彩画（1935−1956）：　このセクションに素晴らしい画が並んでいる。スクレーパーを使わなくなったため絵具が極端に盛り上がっている画もあるが、全体に明るい色調であ好感が持てる。この展覧会は、出口から逆行したほうが良いかもしれない。沢山の版画や連作を見た後に、このセクションに来ると、エネルギー不足となっている人も多いのではなかろうか。わたしは一旦休息して逆行して見直した。お気に入りは多数。《たそがれ》、《伝説の風景》、《キリストとパリサイ人たち》、《青のキリスト》、《トリオ》、《うつむいた受難》、《優しい女》、《X夫人》など。

６．未刊行版画作品群：　版画集に使われなかった刷りはそれなりに問題があるのだろう。XXXXで消された作品を見るのは楽しいものではない。ただ《装飾的な花》の刷りの工程の展示は面白かった。

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　モスクワ市近代美術館所蔵のロシア･アヴァンギャルド展。副題は「シャガールからマレーヴィチまで」。 初日の開館早々に入った。

�T−１　西洋の影響とネオ・プリミティヴ：　
　最初に出てくるのはゴンチャローヴァとラリオーノフのカップルの絵画である。ゴンチャローヴァの≪あんずの収穫≫にみられるように、遠近法にとらわれない平面的で、かつ装飾的な画である。ちょっとゴーギャンのタッチに似た画で、ロシアの伝統的あるいは土着の文化を掘り起こしていこうとする方向である。こういう民衆芸術などを意識し、プリミティヴなものを見直す方向を「ネオ・プリミティヴ」と呼んでいる。これに対しもう一つの方向として、ロシアの民衆画の素朴さを基盤にしつつ、西欧絵画から強い影響を受けた画家たちがいる。シャガールがその典型例である。彼の≪家族≫では、シャガールとベラが癒合しているが、これは２視点から見たもので、明らかにキュビスムの影響下にある。ブルリュークは「ロシア未来派の父」と呼ばれているそうだが、展示されているのは《風呂》のようなコラージュが２点と顔に彩色した《芸術家の母の肖像》や動くイコン的な《三つ目の未来派風の女》のような前衛的な油彩である。こういったロシアの前衛画家の西欧的な方向は、「立体未来派」と総称されているようである。

�T−２　見出された画家ピロスマニ：　グルジアの画家ニコ・ピロスマニは、アンリ・ルソーのような「素朴派」の画家で、プリミティヴなものをベースに抽象へと向かった当時の前衛美術の動きとは完全に独立していた。彼の生涯は、加藤登紀子の「百万本のバラ」という曲で歌われ、映画「ピロスマニ」（1969年）でも取り上げられている。今回、ピロスマニの画は10点も展示されている。《小熊を連れた母白熊》や《イースターのエッグを持つ女性》、≪宴にようこそ！（居酒屋のための看板）≫などほほえましい画が並んでいる。

�U　マレーヴィチと抽象の展開：　マレーヴィチの《収穫》は、ネオ・プリミティズムの範疇に入るが、《冬のモチィーフ》や《刈り入れ人》は立体未来派の画となっている。マレーヴィチの《刈り入れ人、1909年のモティーフ》では、人体の形状を取り戻しているが、《農婦、スーパーナチュラリズム》では、人体の外形は残っているものの、細部は失われ、白と黒の感覚が描出されている。これが《白い十字架のあるスプレマティズムのコンポジション》や《黒いい十字架のあるスプレマティズムのコンポジション》では、「スプレマティズム（絶対主義）」という完全な抽象絵画の域に達している。そこの描かれているのは、もはや形態ではなく、感覚のみであるといえるのだろう。

�V　1920年代以降の絵画：　「ロシア構成主義」の創始者といわれるタトリンの《労働者の肖像》が出ていた。もともと鉄板や木片によるレリーフを「構成」と呼んだのであるが、1920年以降の絵画をこのような構成主義で一くくりにするのは無理である。 ドミトリーエフの《サーカス》は舞台芸術、パラーノフ＝ロシネーの《裸婦》、《キュビスム風の裸婦》、《燃えるような赤毛》はオルフィスム、すなわち叙情的キュビスムであり、マレーヴィチは《自画像》や《芸術家の妻の肖像》のような具象画に戻ってしまった。

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　展覧会の初日開館直後に入場した。個人蔵は110点のうちわずか1点だけ。コローの全体的な評価については、今回のフランス側監修者のポマレット氏（ルーブル美術館絵画部長）の講演「コロー：絵画における音楽的概念」を聴くことにした。その詳細は別に書いたが、ここでは、監修者の意見も参考にしつつ、主として展覧会の章立てに沿って、コローの画風の変化を追っていくことにする。

1章：初期の作品とイタリア
　コローの初回のイタリア旅行は1825−27年である。この頃のコローの作品は堅牢で、光と影にとみ、後期の銀灰色のマンネリ化した画よりも好感が持てる。お気に入りは、《ヴィル＝ダヴレー、牛飼い女のいる森の入口》の道に差し込む光線、《ローマのコロセウムの習作》や《ファルネーゼ公園から見たフォロ・ロマーノ》の光と影、《プッサンの散歩道》、《ティヴォリ、ヴィラ・デステ庭園》など。

2章：フランス各地の田園風景とアトリエでの制作
　《画家の姪の肖像》は何回も見ているが、ソコソコ。《ヴィル・ダヴレー　水門の釣り人》の水面に映る人物や遠くの女性たち、《水汲み場のブルターニュの女たち》の頭に乗せた水瓶、《エトルタの風車》の極端な遠近法や《小さな谷》なども印象的。

3章：フレーミングと空間、パノラマ風景と遠近法的風景
　《ピエルフォン城》の明るい巡光や《パリ近郊の農家の中庭》が気に入った。ドランやセザンヌへの影響が見てとれる作品もあった。

4章：樹木のカーテン、舞台の幕
　コローは生涯にわたって、舞台芸術に関心を示し、このセクションの木立を描いた一連の作品では、前景のヴェールのように枝を広げる木々はちょうど舞台の幕の役割を果たし、霧の向うに見え隠れする遠景は舞台となっているというのである。これは新鮮な見方で共感できた。また、傾いだ木や奥行き感の表現は、演劇的な効果をあげているとも述べている。
　ここではこういったコローの画風に影響を受けたものとして、モネの《木の間越しの春》、シスレーの《ヴヌー＝ナドンの岩の森》、モンドリアンの《農家の前の水辺の人々》、ピサロの《夏の木蔭の小道》やゴーギャンの《ノルマンディーの風景、沼の片隅》などが挙げられていた。

5章：ミューズとニンフたち、そして音楽
　《本を読む花冠の女》はラファエル前派のミレイに通うものがある。《本を読むシャルトル会修道士》は落ち着いた良い画である。《ミューズの歴史》や《バラ色のショールをはおる若い女》も良かったが、後者はちょっと淋しい。有名な19世紀のモナリザ《真珠の女》はポスターよりはるかに良い色であるが、ガラスが反射して髪の毛が水玉模様のようになってしまっていた。　《マンドリンを手に夢想する女》や《水浴するディアナ》はお気に入り。とくに後者はコローにしては珍しい裸体画。コローのこのような画がドラン、ピカソ、マティスに影響を与えているという証拠として、それぞれ二つの画を並べて展示してあった。 この章のベストは《青い服の夫人》である。これはコローの最晩年の作であり、彼の一つの到達点であると考えたい。

6章：思い出と変奏
　この章が、今回の展覧会の副題に関係があるらしい。コローは、戸外で描いたスケッチを利用しながら、かつて旅した土地の想い出を追想してアトリエのなかで再構成し、「・・・の想い出」と題した多くの情緒的な風景画を残している。今回の展覧会の監修者は、「想い出」の風景は少しずつ叙述的な表現をはなれ、音楽的なリズムに満たされていく」としている。さらに「このような銀灰色の靄に包まれた喚起力と連想の芸術は、抽象へとむかっていった20世紀芸術の担い手たちがもとめた新しい芸術的地平を見ることができる」としている。その当否はともかく、有名な《モルトフォンテーヌの思い出》や《幸福の島》はさすがに素晴らしかった。

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　　英国現代美術界でもっとも重要な賞の一つである「ターナー賞」。この賞は、年１回、数名の英国人および英国在住者のアーティストをノミネートし、その作品を展示、最終選考で１名を選出するものである。今回はその受賞作をすべて展観するという試みである。１９８４年のマルコム・モーリーから２００７年のマーク・ウォリンジャーまで２３名（１９９０年は経済危機のため実施されず）のアーティストの作品が展示されていた。

○1986．ギルバート＆ジョージ《Death of Life》：　中央上部に黄色い洋服を着た画家二人が立ち、下部には失業問題を抱え苛立つロンドンの若者を赤・黄色で描いた11mの超大作。とても迫力がある。

○1991年．アニッシュ・カプーア《Void No3》：　真っ黒な円盤。正面に向き合うと、眩暈を感じて、気持ち悪くなる。観客との相互関係を狙ったアートであるそうだが、わたしには十二分に感じ取ることができた。

○1993年．レイチェル・ホワイトリード《House》：　壊す建物の内部にコンクリートを流し込み、その外壁を少しづつ外して写真を撮っていく。最後にこのコンクリートを残すことが住民に拒絶され、取り壊された。そこでガランドウになった庭の写真まで登場してくる。これは皮肉なのだろう。

○1995年．デミアン・ハースト《Moter & Child Devided》：　ポスターに載っているように、実物の牛と子牛を矢状面で切断し、ホルマリン漬けにしたもの。興味本位のアートであるが、観客が良しとすれば良いのだろう。

○1997年．ジリアン・ウェアリング《Sixty Minuite Scilence》：　60分間動かないことを求められた人たちを動画で撮っている。とても面白い。ずっと付き合うわけにもいかないので、その場を離れた後、大きな叫び声が聞こえた。60分が終わったのだろう。

○1998年．クリス・オフィリ《No Woman, No Cry》：　殺害された黒人少年Stephan Lawrenceの白人容疑者が無罪になったことに抗議するという社会的なメッセージを持っている。涙のモザイクの中に少年の顔が描き込まれている。今回のマイベスト。

○1999年．スティーヴ・マックィーン《Deadpan》：　ビデオ作品。建物が倒れても、その窓の中に入ってしまって怪我をしない男性の無表情な姿がコミックである。

○2003年．クレーソンー・ペリー《We have found the Body of your Child》、《Golden Gohst》：　古典的な壷に、微細な画が描かれ、金なども使った　華やかなアートであるが、そのメッセージは社会的で、前者はは児童虐待、後者は少年少女の非行をテーマにしている。

○2004年．サイモン・スターリング《Memory ob Bucket》：　ビデオ作品。クエーカー教徒の平和と安寧へのメッセージ。そばに大きなポスターが置いてあったのでもらってきた。もちろん日本語訳も張り出されていた。

○2007年．マーク・ウォリンジャー《Sleeper》：　ベルリンのシンボルである熊の縫いぐるみを着た人間がベルリン新国立美術館の中で踊っており、外から観客が観察するようになっている。あるいは熊が人間を見て喜んでいるのか。いずれにせよ、昨年この美術館を訪れたので懐かしかった。

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　　全部で161点の大展覧会。副題は「紙片の小宇宙を彷徨う」となっている。西洋版画を追い続ける1人の個人コレクターが50年の歳月をかけて築き上げたコレクション。

第1章：　誕生から黄金時代へ： 　ヨーロッパの版画の歴史は、14世紀末の木版画に始まり、15世紀半ばには精緻な銅版画が作られるようになった。ちょうどルネサンス文化と時を同じくして誕生しているのである。今回の展覧会でもっとも古いものとしては、15世紀末のションガウワー（アルザス）とメッケネム（ドイツ）。前者の《白鳥を持つ貴婦人》は円形のエングレーヴィングで、立看板の中に取り込まれている。とても繊細な表現で、女性や白鳥の姿も優しい。16世紀の巨匠デューラーの作品が3点。《ラッパを吹く7人の天使　黙示録より第8図》は木版の堂々たる大作。《三日月上の聖処女マリア》は神々しい。クラーナハやアルトドルファーといった著明な作家の作品も出ている。ベーハム兄弟やアルデグレーファーの「小版画」の精細さには驚くばかりである。ボス原画・ファン・デル・ヘイデ版刻の《盲人の手を引く盲人》、ピーテル・ブリューゲルの《最後の審判》、《7つの大罪》の全7点、《7つの美徳》のうちの2点はとても楽しめる。16世紀末のホルツィウスの《ファルネーゼのヘラクレス》や《ペルセポネー》はマニエリスム的な作品である。彼の《羊飼いの礼拝》は人物はしっかりと描かれているが、下部は未完成である。その白い部分を使って今回の展覧会のチラシとしている。17世紀ヤン・ファン・デ・ヴェルデの《魔女》は光と影のコントラストの強いバロック。

第2章　多様な展開　線に宿る綺想　16−18世紀イタリア・フランスの版画 ：　ルーベンスの《カタリナ》やレンブラントの《宝章のついたヴェルヴェット帽をかぶり口ひげをたくわえた男の肖像》はとても素晴らしい。　16世紀のライモンディの《マルス、ウェヌス、クピド》は美しいエングレーヴィング。ジャック・カロのエッチングが沢山出ていた。《戦争の惨禍（大）》はおなじみだが、《イスタンブール市》、《アヴァリアーノの戦い》、《ルーブル宮の眺め》、《聖セバスティアヌスの殉教》、《処刑場》、《聖アントニウスの誘惑》など非常に技巧的である。　ピラネージの《マルケレス広場》や《円形の塔》も優品である。

第3章　近代の黎明　18−19世紀のイギリス・スペイン版画： 　ホガース版画のユーモアはいつも楽しみである。《納屋で衣裳を着る旅芸人の女優たち》、《選挙シリーズ》、《闘鶏場》がでていた。ゴヤの《戦争の惨禍シリーズ》、《妄シリーズ》は個人的にはあまり好きではない。《サタンの失墜　ヨブ記より》など、ブレイクの独特な宗教画が4点並んでいたが、いずれも印象的である。

第4章　画家と版画　”画家にして版画家パントルグラベール”の活躍から世紀末デカダンへ：　ドラクロア《空を飛ぶメフィストフェレス》、ドーミエ《幕を下ろせ、喜劇は終わった》、ブレスダン《良きサマリア人》、ファンタン＝ラトゥール《ジークフリートとライン川の娘たち　神々の黄昏》、ルドン《陪審員より》、ゴーギャン《マラルメの肖像》、ロートレック《マルセル・ランデ嬢、胸像》、ホイッスラー《キッチン》、クリンガー《貧しい家族》、アンソール《大聖堂》などが良かった。ビアズリーの《サロメ》は何回見てもショッキングであり、《エドガー・アラン・ポー作品集の挿画のための素描集》も刺激的である。

第5章　巨匠たちの饗宴
　ムンク、コルヴィッツ、シャガール、ルオー、ピカソ、エッシャー、ヘンリー・ムア、ミロなどに良いものがあった。　

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　　ジュリー・ヘッファナンのことを知ったのは、たまたまLux　Art　Instituteをネットで検索したからである。ここではアーティストの作品展示だけでなく、実際に制作するところが見られるようになっているようである。5月の予定をみると、アーティストはJulie Heffernanという女性である。私が渡米する頃には、制作見学は終了していて、展示だけとなっている。 作品の画像がいくつか載っていたが、タイトルが「Self Portrait」となっている不思議な画が多い。でこの画家の作品展が開かれているのをしったからである。

　そこで彼女の名前で検索してみると、何と東京のギャラリーで彼女の展覧会をやっているではないか。銀座のソニービルの裏のMegumi Art Galleryである。これは何かの縁と思って早速に見にいった。狭い画廊なので作品数は少ないが、結構大きな作品で、やはり自画像という題の不思議な作品が並んでいた。

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　　大岩オスカールの画は、とても気になっていた。ちょうど良い折に、本邦初の大がかりな個展が開かれたので、初日から見にいった。彼の画は独特である。まず大きい。色彩が豊かである。そしてイマジネーションに富んでいる。諧謔味もある。画の中にダブル・イメージが浮かんでいるものが少なくない。

　入ってすぐの部屋には、１９９５年頃の懐かしい北千住駅周辺の風景が、実景のようでもあり、また現実離れしたところもある。

　次の部屋には、１９９１年のサンパウロ國際ビエンナーレに出品した巨大な《クジラ�T》が圧倒的な迫力で展示されている。とにかくデカイ。右側の壁にはクジラの外表、左には骨格が向かい合わせになっている。観客はその間を押しつぶされないように歩いて行くだけ。どういう意味か考えてみてもはじまらないが、人間の小ささは実体験させられる。

　角を曲がると、丸い形の画が何枚かあったが、その中では手前上段の《神殿のポートレート（展望台）》に惹き付けられた。上部に望遠鏡、その下に弾を発射する銃。世の中の戦争は、すべて正当化、神格化されていることに対する軽いアイロニーなのだろう。

　その向こうの小部屋には、《シャドウキットとライトキットの出会い》という面白い画があった。黒猫と白猫だがお互いに裏返しの関係のように見える。ご丁寧に、画の前には、黒猫と白猫のオブジェも置いてある。そしてその傍にはいぼいぼの《カメレオン》の画が鎮座していた。次の部屋には、《カラスの巣》、《野良犬》といった奇怪な動物たちが、都会の背景を従えて画の前面に描かれている。

　大きな部屋には、《虹》、《ガーデニング》、《フラワーガーデン》といった色彩豊かな画があった。いずれも背景と前景が二重写しのようになっており、心象風景の様相を呈している。《フラワーガーデン》の左右の４つのパネルは「広島市現代美術館」蔵であるが、センターパネルは山下裕二の所蔵となっていた。またどの部屋だったか忘れたが、《ノアの方舟》、《総理大臣の悪夢》といったユーモアを感じさせる画もあった。廊下を渡って反対の部屋に入ると、《Fire Shop》という火を売る店や《北極》という北米大陸が氷で覆われ、ペンギンが遊んでいるという画が展示されていた。前者は赤、後者は青が目立つ美しい画だった。

　二階でDVD映像が見られた。画家のインタビューやパブリックアートの過去と現在などオスカールの実像にやや迫ることができた。このことは、「大岩オスカール ｘ 山下裕二　トークイベント」を聞いて、いっそう良く分かった。満員の講堂で、とても面白い話があった。感想を一言でいえば、二人とも経済に明るい新人類であるということである。

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１．パリ、古きものと新しきものー理想の都市づくり：

○レピーヌ《ロワイヤル橋からみたボン・デ・ザール》・・・輝く空、広いセーヌ、ルーヴル、学士院の美しい景観画。

○モネ《テュイルリー》・・・鮮やかな緑と細かいタッチが素晴らしい。夏の景色。

○シニャック《ボン・デ・ザール》・・・紅葉と虹色の水面が美しい点描画。

○ジョルジュ・ダンテュ《トロカデロ公園、サイ、雪の印象》・・・現在オルセーの前にあるジャックマールのサイの彫刻が面白い。雪の情景。

○ユトリロ《コタン小路》・・・この有名な画に再会できた。

○ガブリエル・ロッペ《エッフェル塔の落雷》・・・これは素晴らしい。この時代どのようにしてこのような写真が撮れたのか。

２．パリの市民生活の哀歓：

○ルノワール《ニニ・ロペスの肖像》・・・紫の服、青の背景が美しい。

○デュフィ《家と庭》・・・緑の葉の間に見えるピンクのバラが目立つ。

○ドーミエの石版画・・・とてもコミックなシリーズが並んでいる。

○ブラックモン《エドモン・ド・ゴンクールの肖像》・・・北斎の発見者である作家。しっかりとしたエッチングである。

３．パリジャンとパリジェンヌー男と女のドラマ�T：　

○ファンタン＝ラトゥール《サチュロス　ユゴー詩集『諸世紀の伝説』から》・・・ヴィクトル・ユゴー記念館の開館記念に依頼された画。

○カリエール《アナトール・フランス》・・・詩情豊かなセピア色の画。

○ルノワール《ボニエール夫人の肖像》・・・ベルエポックを象徴するような明るい画。

○シャセリオ《東方三博士礼拝》・・・迫力がある。

○ギュスターヴ・モロー《レダ》・・・「現在のレオナルド」と当時呼ばれたモローの作品。未完とのことだが良い画である。

○ギュスターヴ・モロー《夕べの声》・・・有名な水彩に再会できた。美しい。

○セザンヌ《聖アントワーヌの誘惑》・・・なかなか良い画であるが、説明には「この裸体には画家の強迫観念がある」と書いてあった。

○ヴァラドン《自画像》・・・18歳でユトリロを産んだ頃。若い！パステル。

○ヴァラドン《ユッテルの家族》・・・ヴァラドンの再婚相手でユトリロの友人だったユッテルの家族。彼らがユトリロを苛めたのか？

○ヴァラドン《縞の毛布の裸婦》・・・彼女は巧い。

○ドンゲン《ポートレット・バックスの肖像》・・・ネックレスと指輪の輝きが凄い。

○ナダール《ベンチに横たわる自写像》・・・パイプを咥え、猫をなでている有名な写真。

４．パリジャンとパリジェンヌー男と女のドラマ�U：ロダン、ブールデル、マイヨール　素晴らしい彫刻が並んでいて、感動する。

５．パリから見た田園へのあこがれ：

○ドニ《パリ、プティ・パレ美術館天井画下絵　フランス美術の歴史》・・・知っている画や画家が沢山描き込まれている。

○アンリ・ルソー《粉ひき小屋》・・・魚を釣る男が小さすぎるが、この画家なら許される。

○ボーシャン《風景の中のダリアの花》・・・アンリ・ルソーの植物を彷彿とさせる。

　「よくぞこれだけの作品をパリから持ってきたものだ」というのが正直な感想である。持ってきたのは16の美術館からというから驚く。

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　丸沼藝術の森には、ワイエスが236点もあるという。今回は水彩が25点揃っていたので見応えがあった。展示順に簡単な感想を書く。

１．　《さらされた場所》習作・・・何種類もの小さな花を描いた美しい習作。

２．　《雨どい（さらされた場所）》習作・・･古いじょうご、配水管、バケツなど、とても画題とはならないようなものをじっくりと描きあげている。

３．　《干草をかき集めるアルヴァロ》・・・これには働くアルヴァロの後姿が描かれているが、画の中心は馬と荷車。

４．　《材木をのこぎりでひくアルヴァロ》・・・これも働くアルヴァロがオルソン・ハウスのそばの草むらの中に溶け込んでいる。

５．　《運搬用そりの上のバケツ》・・･日照りの時に牧場の泉から水を手桶で汲み、木製のソリに乗せて家に運んだ。

６．　《屋根窓》・・･窓はワイエスにとって窓以上のものであり、窓がそこに住んでいる人たちの肖像として、いわば人格を表しているとのこと。

７．　《表戸の階段に座るアルヴァロ》・・･彼の休息の場所。他人はだれもここには来なかった。

８．　《階段と表戸》・・･表戸の外に腰をついているのはクリスティーナ。足の悪い彼女はこの階段を上ることができなかった。

９．　《オルソンの家》・・・淡青の空と家、緑の草原がとても美しい。今回のマイ・ベスト！

１０．　《オルソンの家の秋》・・手前の草花が色づく秋を表しているが、この表現には力が入りすぎて抽象表現に近づいている。

１１．　《オルソン家の納屋の干草置き場》・・・柱の間から床に射してくる光と影の境界が鋭い。

１２．　《オルソン家の家》・・・中村音代さんのギャラリートーク：　「ゴシック風の田舎家」といわれる代表的な作品。これはアルヴァロの世界の表現である。大鎌は彼の道具。急な屋根の勾配がゴシック建築的。羽目板の一枚一枚数えて書いたという堅牢な画。手前の影、中央の日差し、そしてやや暗いワイエス・グリーンの草むらなど光と影の描き方が絶妙。草むらのスクラッチにも留意。スクラッチのためにファブリアーニ紙を使っている。ワイエスの白は紙の地の色である。ワイエスは死を考えた時に白を使い、生と死、此岸と彼岸の間に黒を使っている。

１３．　《オルソンの納屋の内部》・・・窓からの光が、ほぼ水平に納屋の中にさしこみ、牛の背中や乳房を照らしている。

１４．　《アルヴァロの魚置き場》・・・暗い室内に置かれた荷車などに海の青が使われているとのこと。

１５．　《アルヴァロの寝室》・・・狭い窓から水平に差し込む光の部分だけが浮き上がっており、あとはよく見えない。

１６．　《海からの風》習作・・・見えない風を見えるようにしているところにこの画家の卓抜さがある。

１７．　《クリスティーナの世界》習作・・・後姿であるが、ほつれ髪や突っ張った手が印象的である。これはクリスティーナの肖像画以上のもので、彼女の一生を表している。

１８．　《薪ストーブ》習作・・･髪を切ったクリスティーナ。戸外から彼女の背中にまでさしてくる光は暖かく柔らかである。

１９．　《オルソン家の台所》・・・これも光と影、白戸と黒の対照が素晴らしい。光線には方向性が感じられる。

２０．　《青い計量器》・・・再見。青い器とその周囲の差し込む光はまるでレンブラント光線である。器の下の布の質感も素晴らしい。

２１.　《青い計量器》習作・・・これは光線の角度をもう少し水平に近づけている。その結果、器の一部だけから光が反射してくる。

２２.　《パイ用のブルーベリー》習作・・･青い果物や鉢の明るい部分と暗い部分のコントラストが目立つ。

２３.　《穀物袋》・・・中村さんのギャラリートーク：　アルヴァロの肖像画！　穀物袋に光が当たり、その縁が耳のようになっている。一方、アルヴァロの耳には赤が使われている。こちらは血の通った耳である。ここには自然光はなく、影によって作り出された光だけが存在している。

２４．　《豆類の乾燥》・・･光と熱によって干からびてしまった種とうもろこし。真髄のみを残すという究極の描写。

２５．《オルソンの家》・・・クリスティーナの葬式の日のオルソンハウス。雪に反射する家は淋しく、また神々しく見える。

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　　TNM&TOPPAN　ミュージアムシアター ではヴァーチャル・リアリティー(VR)映像を見ることができる。 今回はマヤ文明コパン遺跡。前回の「聖徳太子絵伝」は2度見にいった（�@、�A）。現在のコパン遺跡の鳥瞰図と当時の状況の再現から始まり、１３代の王「ワシャック・ラフン・ウバク・カウィール（兎王）」が8世紀に造った「石碑」や、「球戯場」、「神聖文字の階段」

　さらにコパン王朝最後の王「ヤシュ・パッサフ・チャン・ヨアート（最初の夜明けの空）」が建てた「16号神殿」。その前に置かれた「歴代の王を刻んだ祭壇」、そしてその下に埋められていた「ロサリラ神殿」や「マルガリータ神殿」など・・・　ちょっとした世界遺産旅行をいながらにして楽しめた。

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　モジリアーニはずいぶん見てきたが、また見にいってしまった。

　副題は「Modiliani et le Primitivsme」。「原始美術」あるいは「プリミティブ・アート」が初期のカリアティッドのみならず、後期の肖像画にまで及んでいるという考え方である。「細長い首と体肩、アーモンドの目、無表情といったモジリアーニ特有の肖像画には、民俗的な仮面やトーテムの影響が現れていて、プリミティヴ・アートの無個性を通して個性に迫っている」といった説明がなされていたが、実際にはそのように見える画とそうとは感じられない画が混在していた。彫刻を刻んだ体験から、形態の単純化、抽象化の表現のコツをつかんで、肖像画を描いたと単純に考えるほうが受け入れられやすいのではなかろうか。

　また、出品数が約150点とその多さが喧伝されているが、大部分はマティスばりのシンプルな素描で、油彩は小品をいれても50点以下に過ぎない。カリアティッドの彫刻は皆無である。したがって会場の壁は沢山空いていて、いかにも淋しい。もう少し見られるのだろうと思っているうちに出口に来てしまった。いかにも消化不良である。お気に入りは、《モー・アブランテス》の逆さの像、《大きな赤い胸像》の単純な色合い、《ＮＹジャネット＆ジョナサン・ローゼン蔵のカリアティッド》の複雑な色合い、《クララ》と《ライモンド》のキュビスム調の鼻筋、有名な《シャイム・スーティ−ン》の肖像、《若いロロット》の装身具、《女の肖像》の黒い服、《黒いドレスの女》のオカッパ、アサヒビール所蔵の《少女の肖像（ユゲット)》、《赤毛の若い娘（ジャンヌ・エビュテルヌ)》、《大きな帽子をかぶったジャンヌ・エビュテルヌ》や《肩をあらわにしたジャンヌ・エビュテルヌ》である。《頭の後ろで手を組み、長椅子に横たわる裸婦》もナカナカ。

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　今回の展覧会の副題は、「地中海の光の中へ」である。マティスとボナールが親しい友人であったとのことは今回の展覧会で知った。ボナールは、ナビ派のアンティミストであるとともに、ジャポニストであった。マティスは、フォーヴィスムであったとともに、ビザンチンやアラブといったオリエント美術の影響を受けていた。とくにマティスの黒は、東方美術にその出発点があった。このように二人の画家は東方の美術に影響を受けながら、「色彩の魔術師」としてともに色彩を開放していった。二人はともに南仏に定住し、地中海の強い光を受けて色彩の探求の深度を増していった。

�T．ボナール1867−1908　ジャポニズムのナビ　アンチミスムと装飾：　 《格子縞のブラウス》は赤と白のチェック。《山羊と遊ぶ子供たち》と《りんご摘み》は緑と木をモチーフとした二連作。ボナールが画を描くキッカケとなったポスター《フランス＝シャンパーニュ》の女性は扇子を持っている。《散歩》は屏風仕立てである。ボナールの撮影した写真が8点も出ていた。《ベッドに座る横向きのマルト、パリの住居にて》、《陽を浴びて立つマルト》、《水浴するマルト》はやや過激な写真である。

�U．マティス1869−1929　フォーヴの実験から成熟の時代へ：　 《ラ・ムラド（コリウールの風景）》の緑と橙色の色面をはじめ、《ピエール・マチスの肖像》、《座る裸婦》、《モン・タルパンの風景》、《ニースの風景、マルグリット・マティスとアンリエット・ダリカレール》、《横たわる裸婦》、《紫のハーモニー》などお気に入り多数。やはり自分はマティス好きだ。素描もなかなか良い。

�V．ボナール1909−1924　地中海の光に導かれて：　 《葡萄を持つ女》、《昼食（マルトとジャン・テラス）》、花の美しい《マイヨール賛》、《果物鉢》、《果物かご》、《浴槽の裸婦》はいずれも絶品である。

�W．マティス1930−1942　主題と変奏：　新しい探求《刺繍のブラウス》はかわいい小品。《鏡の前に立つ白いガウンを着た裸婦》、《琥珀の首飾りの女》の赤い服、《黄色い服のオダリスク、アネモネ》、《シブールの室内》の椅子や壁と外の緑とのコントラストも最高。

�X．ボナール1925−1947　視神経の冒険：　 《白いブラウスの少女（レイラ・クロード・アネ嬢）》の紫、《秋の風景》の点描、美しい《花》、黄色の鮮やかな《テーブルの片隅》、色彩が乱舞する横長の《陽の当たるテラス》はお気に入り中のお気に入り。この章の最後に『私の絵がひび割れせずに残ってといいのだが。紀元2000年の若い画家たちの前に、蝶の羽根で舞い降りたいものだ』というボナールの言葉が出ていた。

�Y．マティス1943−1954：　 《仰向けに横たわる裸婦》も良いが、《赤い室内、青いテーブルの上の静物》は何回見ても良い。これは「マティス展」でみた。墨で描いた《傾けた首》も巧い。シルクスクリーンの《オセアニア》や切り絵《Jazz》もおなじみ。この部屋の最後に示されていたマティスの言葉、『若い画家たち、理解されていない、あるいは後世になって理解される画家たちよ、憎しみは禁物だ。憎しみは人にとりつき、すべてを食い尽くす。《人は憎しみの中では何かを築くことはできない。愛の中で築くのだ。競争心は必要だが、しかし憎しみは･･･》　反対に、愛は芸術家を支えてくれる』はこの展覧会をみにきたすべての人への強いメッセージのように思われた。

参考作品：　書簡と手帳：　画像にしてあったので見やすかった。写真：下記の写真が良かった。
１．　アーサー・ハロンローザー《マティスノアトリエでオダリスクのポーズをまねるボナール》
２．　アンリ・カルティエ＝ブレッソン《ル・カネのボナールのアトリエの壁》
３．　アンリ・カルティエ＝ブレッソン《マティス、ヴァンスのル･レーヴ荘にて》
４．　ロバート・キャパ《ヴァンス礼拝堂壁画の聖ドミニクの下絵を描いているマティス、シミエのアトリエにて》
５．　ブラッサイ《アレッジ荘のアトリエでウィルマ・ジャヴォルをスケッチするマティス》
６．　エレーヌ・アダン《レジナ・ホテルの大アトリエ、彫刻を点検するマティス》
７．　《オダリスクの衣裳をするモデル、ジタをデッサンするマティス、ニース、シャルルフェリックス》
８．　《シャルルフェリックスの住居で寛ぐマティス》、
９．　《マティスとジャッキー、ニースにて》

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　第一部：　展示作品の歴史的・地理的背景を知る。

１）　イスラム帝国の誕生、２）　さまざまな視点から見る都市スーサ、３）　発掘考古学調査の歴史

第二部：　実際の作品を鑑賞し、素材・器形・装飾を発見する。

１　）陶器製作の技法：　型押文（�@、�A）、白釉藍彩（�B、�C）、ラスター彩（�D）の技法の実際が動画で紹介される。ラスター彩陶器ができるまでには、温度と酸素条件を変えた2回の焼成工程がある。これはイスラムの大発見！、２）　型押文の陶器と古代の遺産、３）　白釉藍彩陶器あるいは中国の影響、４）　イスラムが生んだラスター彩陶器：　ここではＡＲ（拡張現実、オーギュメンテッド・リアリティ）を体験することができた。カメラを搭載した小型ＰＣで作品を撮影すると、破損や修復の跡、文様という作品の特徴などのＣＧ合成映像が、実際の陶器作品の上に重なって映し出される。実際にやってみると、ＣＧ画像でお皿の裏面が見られ、また割れた状態を再現してみることできた。そこでシャッターを押すとハードコピーがとれる。このプリントは帰る時にもらえた。現在の装置は、重くまたケーブルに繋がっているが、これを携帯端末にしようという壮大な計画のようである。残念ながら今の段階では「調整中」。５）　イスラム世界におけるラスター彩陶器

　今まで第１回、第３回、それと今回の第４回と３回見たが、技術的には毎回それなりにイノベーションが見られている。美術品の展示についてひとこと追加すると、展示品が「８−９世紀のもの5点のみ」であるのはルーブルとしてはちょっと物足りない。

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　私が西洋絵画に接するようになったのは、戦後まもなく開らかれたマティス展（1951年）やルオー展（1953年）であるから、思い入れが強い。

　今回の展覧会は「開館5周年　ルオー没後50年　特別展」。モローとマティスは同じ国立美術学校ギュスターヴ・モロー教室の同門であり、長年にわたって2人の間に書簡が交わされていた。この展覧会には多数の作品がフランスから来日している。実際には、90点もの作品が、あまり広くない汐留ミュージアムに展示されているので、息が詰まりそうだった。

第1章　ギュスターヴ・モローのアトリエ：　モローの《ナルキッソス》や《ケンタウロス》はすばらしい。ルオーやマティスの初期の作品は、前者の《ゲッセマニ》が目を引く程度で、一言でいえば「暗い」。

第2章　アトリエのモデル/田園風景：　この時代の2人の画には共通するものがあった。ルオーの水彩《娼婦―赤いガーターの裸婦》、カラフルな陶器《裸婦の花瓶》やテラコッタ《水差し》はなかなか良かった。

第3章　人物像と風景：　マティスの《オリーブの並木道》で、初めて明るく軽い画を見つけてホッとした。それまでの2人の画が暗かったからである。

第4章　サーカス：　ここで2人の天分が一気に花開いている気がした。すなわち、ルオーの水彩では、《タバラン‐騒々しい踊り》という青いシャユ踊りに動きが感じられ、油彩《ピエロ》や《女曲芸師》は思い切った厚塗りで、力がこもってきている。銅版画集《流れる星のサーカス》も明るく、軽快さを示している。マティスのほうは有名な切り絵《ジャズ》で、部屋全体がパット明るくなる。

第5章　キリスト教的風景：　ここはルオーの独壇場。円形の《キリストの洗礼》は今回のモローのベスト。《夜景又は聖書の風景》も良かった。

第6章　マティス、ルオー、テリアードと『ヴェルヴ誌』：　ここでは2人の画家と雑誌との関わりでまとめられているが、私としては個別の作品に目がいった。マティスでは、パリ市立近代美術館の《肘掛け椅子のオダリスク》や《座る踊り子》、そしてポンピードーの《黄色のドレスとチェックのドレスの女》は色彩乱舞である。ルオーでは《花束》という教会のステンドグラスがきれいだった。

　二人の交流についてはブログに書いた。

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　ルネサンス文化が花開いたウルビーノ公国の君主、フェデリーコ・ダ・モンテフェルトロ公（1422-1482）は、有能な傭兵隊長であるとともに、人文主義者としての素質を併せもち、多くの教養人や芸術家との交友関係をもとに、宮廷に優雅なルネサンス文化を花開かせたことで知られている。

　フェデリーコ・ダ・モンテフェルトロ公が休息や瞑想の場として使っていたストゥディオーロ（小書斎）は一昨年ウルビーノのドゥカーレ宮殿で見た。

　フェデリーコ・ダ・モンテフェルトロ公は、ウルビーノの他に、グッビオのドゥカーレ宮殿にも小書斎を持っていたことは今回初めて知った。こちらのほうは、1939年にニューヨークのメトロポリタン美術館に売却されてしまっていたのである。この度、地元の職人達が5年以上の歳月をかけて制作した実物大の高精度な複製が完成した。今回の展覧会では、この複製がグッビオのドゥカーレ宮殿に設置される前に世界で初めて披露されている。ストゥディオーロの中に入ると、ウルビーノで見たものと同じように遠近法とトロンプルイユ手法を用いた「自由学芸」のモチーフの寄木細工装飾である。

　ルネサンス時代のオリジナル陶器がいくつも展示されていた。アボカ美術館所蔵のものとのこと。ピエロ・デッラ・フランチェスカの著作『遠近法論』のファクシミリ版複製などの書籍も展示されていた。中部イタリアにおける人文主義とルネサンスを振り返る素晴らしい機会であった。

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　永和9年(353)暮春の初め、王羲之は浙江省会稽山陰 の蘭亭(に名士を招いて詩会を催した。せせらぎに浮かべた杯が流れ着く前に詩を賦し、詩ができなければ、罰として酒を飲むという雅宴である。王羲之はその詩会で成った詩集の序文を揮毫したが、これが有名な蘭亭序である。

　王羲之の書をこよなく愛した唐の太宗皇帝は蘭亭序を入手し、能書の臣下に臨書を命じた。欧陽詢の臨書が迫真の出来ばえだったので、欧陽詢の臨本を石に刻し、その拓本を皇子、王孫、功臣に特賜した。しかし、太宗は崩御に際して蘭亭序を殉葬させたため、蘭亭序の原本は伝存していない。

　南宋時代、蘭亭序の収集は過熱し、士大夫は家ごとに蘭亭序を石に刻したと言われ、拓本を元に新たな拓本が作られ、実にさまざまな蘭亭序の諸本が現れるようになった。 今回の特集陳列では、宋時代の各種拓本や、その影響を受けた明清時代の作例が展示されていた。

　注目した《呉炳本蘭亭序(宋拓)》、《定武蘭亭序(宋拓)》、《独狐本蘭亭序(宋拓)》、《行書臨河序軸》、《蘭亭流觴図並蘭亭諸帖墨拓巻》などについてブログに書いた。

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